1.- Arte sumerio: En el are sumerio, las figuras se disponen libremente en el espacio, sugiriendo diversos planos de profundidad (aunque no hay como tal profundidad), como por ejemplo, se disponen de manera tal que parezca que las figuras vienen de la izquierda y se están moviendo. Esta fue la primera tentativa de crear la ilusión de profundidad, aunque no se había desarrollado el conocimiento de la perspectiva. También se utilizan pocos colores y no se emplea ni textura ni se realizan escalas. 

2.- Arte Chino: Aquí, la perspectiva era sugerida por diversos aspectos atmosféricos dispuestos en el cuadro. Se utilizan nubes para sugerir que esa figura o conjunto de figuras se encuentran alejados y mientras más cerca se encuentra, más nítido se ve; también se usan montañas y árboles que varían en distancia en relación a otros objetos dependiendo de como se disponen. Es decir, que por lo que podemos observar, el arte Chino se orientaba mucho hacia la naturaleza y utilizaba distintos elementos del ambiente y realizaba escalas y utilizaba la nitidez de los contornos. 

3.- Arte Romano: Se emplean diversos elementos arquitectónicos que, de una manera ilusoria, amplían el espacio y le da perspectiva y profundidad a la obra, creando así columnas, pasillos, y monumentos. Se realizan escalas y se modifican las texturas de los diversos elementos para hacer que se vean más cerca (si está más detallado) o  más lejos (si se ve más borroso). Se emplean más colores, sugiriendo así que las figuras que tengan colores más brillantes están más cerca, y aquellas con colores más oscuros se encuentran más lejos. También, como podemos observar en la imagen, se empieza a desarrollar y emplear la nitidez de los contornos, aquellos objetos más nítidos están más cerca y aquellos más borrosos se encuentran más lejos; y se emplea además la luminosidad, así, cuando las figuras se vayan alejando se van poniendo más oscuras y se van iluminando cada vez que se acerquen. 

4.- Arte Románico Italiano:  Aquí, el espacio era sugerido por la superposición de las formas. Así, las figuras o formas  conservan su tamaño, pero cuando son cubiertas por otro(s) se ven más lejos y las figuras que no están cubiertas, están delante de las otras. Como podemos ver en la imagen, se superponen los cuerpos para sugerir que hay una especie de fila ancha pero no se realizan escalas, ni se cambian las texturas, ni los colores y la nitidez permanece igual. 

5.- Arte antes del Renacimiento: Durante esta época se tenía un conocimiento muy básico de: el punto de fuga el cual era empleado en los cuadros para sugerir el espacio, la variación de los tamaños de las figuras, la profundidad, la textura, la luminosidad,  y la perspectiva. También se disminuían progresivamente las dimensiones de las formas en relación con la distancia, es decir se realizaban escalas. Se utiliza además la superposición de formas.

6.- Arte durante el Renacimiento: Aquí, se amplía el conocimiento sobre la perspectiva y la profundidad, evolucionando así el desarrollo de la pintura sobre un espacio bidimensional. Evolucionan también otros elementos como por ejemplo, la luminosidad, la textura y la nitidez de los contornos. También se emplea lo que se conoce como la perspectiva aérea, el cual le da profundidad a la escena al crear la ilusión de que el fondo se aleja al estar más borroso y mientras se acerca,  se ve más nítido e iluminado. Se desarrolla también la superposición de los cuerpos.

                                                              

                                                               

       

  

Nuevas Concepciones del Espacio:

1.- Impresionismo: En el impresionismo, se intenta plasmar o “imprimir” y reproducir una imagen en el tiempo. Ahí, la profundidad es producto de la visión distorsionada de la imagen que tiene como base el movimiento del ojo por la luz. Como podemos observar en la imagen, el artista utiliza un conjunto de líneas curvas para dar sensación de movimiento y crear una imagen desenfocada y distorsionada. También se utiliza la superposición de las formas para sugerir que se van alejando hacia el fondo y unas están delante de otras. 

2.- Cubismo: En el cubismo, se utiliza la superposición de las formas en un único dibujo para que la obra fluya en el tiempo. Tiene muchas similitudes a una pintura abstracta, al utilizar básicamente (como su nombre lo indica) cubos y cuadros para crear diferentes figuras. En la imagen, podemos observar que el artista ha superpuesto un conjunto de cubos, de manera tal que parezca una montaña compuesta por distintos cubos que se están alejando hacia el fondo. Entonces, se amplía la perspectiva y la profundidad. 

3.- Pintura Abstracta: En la pintura abstracta no hay ninguna regla de profundidad ni perspectiva. Se vale de líneas, formas y colores para crear figuras ambiguas. Todas las personas tienen diferentes visiones o interpretan a estas figuras de manera distinta a otras. En la imágen el espacio es ambiguo, la luz y el color modifican dicho espacio en un movimiento rítmico y se anula la profundidad. También, hay muchas líneas y formas ambiguas que contienen más figuras adentro que generan toda una obra abstracta o ambigua.